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sábado, 7 de agosto de 2010

Crítica: The Twilight Saga: Eclipse


THE TWILIGHT SAGA: ECLIPSE
LA SAGA CREPÚSCULO: ECLIPSE
3 / 10

Dirección: David Slade
Guión: Melissa Rosenberg, Stephenie Meyer (novela)
Elenco: Robert Pattinson, Kristen Stewart, Taylor Lautner, Anna Kendrick, Dakota Fanning, Bryce Dallas Howard, Nikki Reed, Kellan Lutz
Música: Howard Shore
Género: Fantástico, Romance, Drama
Estudio: Summit

Eclipse resulta una película mucho más aceptable que su predecesora Luna Nueva (que lejos ha sido la peor película de la saga), Eclipse es más rápida detalle aportado por las escenas de acción que abundan en mayor cantidad que en los filmes anteriores, y además contiene un metraje un poco menos excesivo que Luna Nueva (los realizadores deberían plantearse seriamente disminuir a las hora y media u hora y cuarenta minutos ya que dos horas es demasiado). Pero aún así Eclipse sufre de un defecto importante, no logra aportar nada interesante a la historia. Haciendo ver que esta tercera parte es una simple película estiradísima para lograr una conexión con la última parte, aunque todos sabemos que su realización tiene que ver con los miles de dólares que ha aportado a Summit (el estudio detrás de Twilight) ya que Eclipse vuelve a tratar lo mismo que en las películas anteriores: Bella queriéndose ser un vampiro, Bella indecisa sobre Edward y Jacob, vampiros detrás de Bella, los Volturi corruptos y detrás de Bella, en fin más de lo mismo.

Como el resto de entregas, subyace un mensaje a favor del autocontrol en las relaciones sexuales, que ya estaba presente en la obra de Meyer. En los anteriores films, las reflexiones sobre este tema se hacían con sutilidad, a través de la metáfora del vampirismo (el protagonista se contenía, y reprimía sus instintos naturales para no morder), pero en esta ocasión se explica claramente en varias secuencias.

Mientras que en los protagonistas a pesar de la química lograda entre Robert Pattinson y Kristen Stewart sus actuaciones en escena no convencen como deberían, están a cargo de los roles protagónicos y sus interpretaciones son simplemente frías y sin ninguna emoción. Está bien que Bella sufra todo el filme como ocurre con sus predecesoras, pero cuando llega el momento de utilizar correctamente los silencios lo hace fatal al igual que su parner Robert Pattinson. Definitivamente es un problema tanto de ellos al no apegarse a un guión que tampoco les ofrece mucho. Con ello el desarrollo de los personajes principales deja bastante que desear, compensándose con los sólidos minutos que se les dedica a determinados secundarios. Es lo que acontece cuando observamos el pasado de Jasper y, sobre todo, el de Rosalie. Mientras que los esfuerzos de Taylor Lautner por darle pasión al triangulo amoroso quedan en cero debido a un relato que carece de sustancia.

Existen dos partes claramente diferenciadas dentro del largometraje: la romántica y la fantástica. Respecto a la primera, no llegó a interesarme en ningún momento, pues se resuelve con una empalagosa cursilería que sólo satisfará a un concreto sector de la audiencia. Estas escenas provocan una molesta morosidad en la narración y un obvio desequilibrio en su ritmo, algo que, por cierto, ya sucedía en las anteriores entregas de la saga (los orígenes literarios del guión también tienen que ver en el asunto).

A pesar de su sencillez, desde luego me quedo con la vertiente fantástica de Eclipse; Victoria y la sombra de los Vulturis animan un poco la función, y ello a pesar de que uno tiene la sensación de que se ha desaprovechado este aspecto de la trama. Las escenas de acción se incrementan, resolviéndolas David Slade con una agradecida eficacia, sobre todo en el tramo final del filme. Los efectos especiales cumplen con su cometido, si bien a estas alturas llama la atención que, con la cantidad de dinero que ha generado esta licencia, sus responsables ajusten de tal forma su presupuesto que no quieran elevar las partidas destinadas a este apartado.

Y finalmente ¿cuál fue el punto de contratar a Dakota Fanning y Bryce Dallas Howard? Ya que en ningún se les saca provecho, ambas son grandes actrices de diferentes generaciones, pero que son reconocidas por el público en general debido a su talento pero sin embargo en Eclipse se les desaprovecha limitando a Fanning a unas pocas incursiones donde trabaja más la mirada que los diálogos mientras que Howard es una villana que le da emoción al filme, pero al ser su personaje mal trabajado su talento se ve despreciado a unas simples tomas de acción. Y por último Anna Kendrick la única actriz que desde el inicio de la saga ha sido consistente y una gran actuación de la reciente nominada al Oscar. Mientras que para completar Eclipse se encuentra su banda sonora característica de estos filmes que generalmente es muy buena, pero aún así la selección de canciones no me parece tan buena como la hecha en Crepúsculo, eso sí sin despreciarla. Gran aporte de estos filmes es la música.






Crítica: Shutter Island

SHUTTER ISLAND

LA ISLA SINIESTRA

9 / 10

Dirección: Martin Scorsese

Guión: Laeta Kalogridis, Dennis Lehane (novela)

Elenco: Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo, Ben Kingsley, Michelle Williams

Género: Drama Época, Thriller

Distribuido por: Paramount Pictures

Lo más llamativo de La Isla Siniestra es como Martin Scorsese recrea una historia que se basa esencialmente en un juego mental dentro de laberintos físicos de un hospital psiquiátrico ubicado en una remota isla donde todos parecen fuera de sí, donde la razón no prima, donde cada personaje oculta algo dando así giros dramáticos alabables en la trama de una manera muy eficaz. Lo que nos deja una solida narración de los hechos complementada por grandes actuaciones de Leonardo DiCaprio, Michelle Williams, Mark Rufallo y Ben Kingsley. Mención aparte una mínima actuación de Patricia Clarkson y Emily Mortimer.

La Isla Siniestra es puramente un thriller psicológico donde el final es uno de esos que te lleva a un punto de cuestionar toda la película, cada detalle es llevado a un juego mental que culmina con diálogos desgarrados que hacen plantearse uno mismo el verdadero final detrás de aquellos diálogos, es una película que juega con la mente. Se agradece que llegue a las pantallas del cine una película altamente visual con preciosos planos puramente artísticos y además que la entretención de tal vez un guión excesivo pero a la vez preciso para contar la historia. Esas dos horas y algo más son puro deleite visual.

La paranoia sobre la cual se sustenta el argumento de esta película (no voy a contar nada de la trama) lo apaña a uno, lo agarra del cuello y eso sucede dentro de la más sólida corrección formal: siempre hay un pulido cuidado por el encuadre, por el plano y por el devenir de las secuencias; es como si el ojo de un demiurgo o la mano de alguna musa del arte hubieran controlado la hechura del filme.

Es película asombrosa por su alta calidad, tanta que no hubiera querido tanta, porque siempre sentí la mano de Scorsese como quien adrede hace una obra eximia, más que maestra, y me bastaba con que la hiciera excelente. Hay maestría excepcional en la puesta en imágenes, eso visual que es el arte de una película, sustrato narrativo de un filme.

El arco dramático está muy bien construido, algo que se agradece que tal vez deje fuera ciertas cuestiones que a uno le gustaría más precisión, pero también nos hace pensar que esos mismos vacios hacen que Shutter Island sea una pieza única este año, la hacen de cierto modo especial. La adaptación de la novela de Dennis Lehane por Laeta Kalogridis es muy buena, un guión que funciona como un rompecabezas cuyas partes calzan de manera muy buena al final. Una pieza artística de lo mejor que Scorsese nos ha mostrado, un director que cada vez se acerca a un cine puramente comercial lo que haga que tal vez o mejor dicho lo más probable es que Shutter Island solo se haga presente en las categorías técnicas en esta temporada de premios ya que en cuanto a actuaciones la de DiCaprio sería la que prevalezca y llegamos a preguntarnos si es mejor que en Inception. ¿Ha Inception opacado a Shutter Island? O con las 10 plazas en Mejor Película ambas llegar a estar presentes en la gala.

sábado, 6 de marzo de 2010

Crítica: Nine

NINE / LA NOVENA

NOTA: 4 / 10

Dirección: Rob Marshall

Guión: Anthony Mingella, Michael Tolkin

Elenco: Daniel Day-Lewis, Marion Cotillar, Penélope Cruz, Nicole Kidman, Judi Dencha, Kate Hudson, Sophia Loren, Fergie.

Música: Andrea Guerra, Maury Yeston (canciones)

Género: Musical, Drama

Distribución: The Weinstein Company

La película de Guido Contini y Rob Marshall tiene sus similitudes, en ellas encontramos que ambos son famosos directores y están tras su más ambicioso proyecto. Me pregunto si Marshall habrá dado a conocer esta similitud en la que posteriormente lleva a ambos al desastre. Mientras que Guido nunca comienza a rodar su Italia al verse enfrascado en una búsqueda de ideas que se ven interrumpidas por sus problemas personales, entre los amorosos con su esposa y su amante, y por otro lado Marshall cuenta con toda la producción y medios a su disposición. Sus productores, los hermanos Weinstein, le han dado todo lo que ha requerido, grandes sets, gran título, mucha publicidad y por sobre todo un elenco Oscarizado. Daniel Day-Lewis, Penélope Cruz, Nicole Kidman, Marion Cotillard, Kate Hudson en conjunto con la gran voz de Fergie y la dama del cine italiano: Sophia Loren. El género (el musical) es terreno conocido por Rob Marshall (su anterior trabajo en Chicago lo demuestra) Entonces… ¿Qué podría salir mal?

Desde Diciembre que Nine comenzó una rápida caída del estrellato, las críticas fueron lapidarias y el público la termino por sepultar dándole poco apoyo en la taquilla nortemaericana. No podía creer como una grande a los Oscars podía estar cayendo de manera tan grave, en ese momento lo ví; era oficial, las tres grandes favoritas para este año Invictus, The Lovely Bones y Nine han caído dando paso a nuevas propuestas en las que se les tenía mucha menos confianza y han triunfado caso de Avatar e Inglourious Basterds.

Lo que me apesto de Nine fue que viniendo de Rob Marshall, conocido por su musical Chicago haya fallado en ensamblar este musical de Broadway. Todo se remonta a la mala utilización de no unas pocas sino toda la colección de canciones. Todas ellas parecen esta forzosamente insertadas en la película, no se encuentra una coherencia decente que las deje moverse naturalmente por el metraje, en cambio Marshall proyecta el mundo de Guido de una manera caótica demasiado desordenada que le juega en contra. Haciendo que Nine sea extrañamente distante del público, es una fiesta para solo uno. Para su director, porque para los demás no entendemos en que estaba cuando le dio el visto bueno a aun guion que no hacía más que tomar un rompecabezas armado y romperlo en mil pedazos para volver a ensamblar las piezas de manera desigual. Completo desastre. Es una pena que Nine nunca llegue a ser lo que todos dicen que sería, la manera en que se maneja la vida personal de Guido no da lugar para soluciones sino que estamos constantemente añadiendo más interrogantes y problemas a una trama de por sí sobre cargada de problemas que no es hasta los últimos 5 minutos de la película que se resuelve todo de una manera muy sencilla y falsa.

Veamos a las estrellas de Nine que deben brillar con luz propia si quieren sobrevivir a este barco hundido. Kate Hudon vuelve a brillar como lo hizo en Almost Famous. Esta muy suelta y se nota que disfruta su papel como periodista de Vogue. No es la mejor del elenco pero al menos no destiñe y se aferra al poco dialogo que se le da, su mayor punto positivo es el musical Cinema Italiano que es sin duda el más fresco y mejor logrado de toda la película. Fergie sólo vino a cantar, no tiene dialogo a pasarte de su número musical, al menos le dieron el número más potente de la obra de Broadway, Be Italian, su gran voz es su aporte.

Nicole Kidman ha llegado a un punto que cada película que hace el blanco de críticas se centra en ella, Kidman necesariamente necesita de cambiar de roles, ya con Nine van tres películas seguidas en la que es la típica mujer de alta sociedad pero en diferentes épocas. En The Golden Compass fue la villana, en Australia la heroína y aquí en Nine es la musa y estrella principal del filme de Guido, pero siempre es la mujer con dinero y clase. Kidman si quiere regresar a vovler a tener el cariño del público necesita cambiar drásticamente sus roles, como en el de Rabbit Hole parece ser algo diferente y esperemos que le funcione. En cuanto a su actuación en Nine no es mala, pero tampoco es la mejor, no porque le falte talento sino porque Claudia Jenssen, su papel, está muy poco tiempo en escena y además su historia no esta bien contada y los diálogos son totalmente insignificantes. El talento de Kidman esta, sólo que nadie parece aprovecharlo.

Loren y Dench son ya consagradas actrices, Loren esta escaso tiempo en pantalla y no demuestra mucho más alla de lo que ya es mientras que Judi Dench extrañamente es el corazón de Nine y deja atrás esa cascara fría y dura que representa, una grata sorpresa. Y con ello llegamos a las tres mejores actuaciones de Nine, el trío protagónico por así decirlo.

La española Cruz es esplendida en los roles que poco tiempo en pantalla tienen, en tan poco tiempo deslumbra de una manera que muchas actrices deben estar envidiando en estos momentos. Gano su primer Oscar por este tipo de papeles y aquí en Nine lo hace de nuevo, su actuación te quita el aliento y su número musical es muy sexy, una nominación muy merecida, luego viene Cotillard que su rol es más secundario que principal, la única estrella protagónica es Daniel Day-Lewis, los demás son secundarios en la película. Aún así TWC la promociono como principal, pienso que le hubiera ido mejor en secundaria. Su actuación es la mejor de todas las mujeres del filme, Luisa es la sufrida mujer de Guido que al final saca la voz y toma su propio camino. Marion Cotillard seguirá cosechando exitoso, su talento es increíble. Mientras que Lewis esta excelente en esta nueva faceta muy alejada a su anterior trabajo en There Will Be Blood. El trío protagónico de Nine fácilmente pude entrar de lleno en los Oscars si ha Nine no le hubiese ido tan mal con las criticas y la taquilla, al menos Cruz recibió el reconocimiento que merece.

En el plano técnico Nine se destaca pero no es nada más espectacular que otras cintas, se nota que se invirtió mucho en su producción pero lo que debe ser su fuerte es decir la música es sosa y aburrida la mayoría del tiempo. Algo en lo que un musical no puede fallar. Con todas estas bajas el gran elenco lleno de estrellas difícilmente perdurara en la memoria de los que vieron la película.




miércoles, 3 de marzo de 2010

Críticas: Percy Jackson y Los Dioses del Olimpo: EL Ladrón del Rayo

PERCY JACKSON AND THE OLYMPIANS: THE LIGHTING THIEF
NOTA: 5 / 10

Dirección: Chris Columbus

Guión: Craig Titley, Joe Stillman

Elenco: Logan Lerman, Alexandra Daddario, Brandon T. Jackson, Sean Bean, Steve Coogan, Uma Thurman, Rosario Dawson, Pierce Brosnan, Catherine Keener, Kevin McKidd

Música: Christophe Beck

Género: Fantasía, Acción

Estudio: 1492 Pictures, Imprint Entertainment

Distribución: 20th Century Fox

Los dioses griegos están de moda, este año Clash of the Titans también aportara a la moda que en Hollywood esta emegiendo con fuerza ya que en los años venideros veremos más del mítico mundo de los griegos. La historia como decimos tiene una estructura muy similar a la de los mitos griegos. Los mortales se ven en el fuego cruzado de una disputa entre los dioses del Olimpo (esta vez situado en el Empire State) y son los semidioses los que tienen que arreglar las disputas de sus padres. Esta vez el Rayo de Zeus ha sido robado, y echan la culpa al hijo de Poseidón, Percy. Él es un chico normal, nunca ha conocido a su padre y es ajeno a la existencia de estos dioses de leyenda. Pero empiezan a perseguirle toda clase de criaturas mitólogicas como las furias, un minotauro, medusa...y debe escapar de su hogar, ayudado por su mejor amigo (que resulta ser un sátiro), su mentor (el mítico centauro Quirón), y por Annabeth (otra semidiosa hija de Atenea) deberán hacer un viaje para salvar a la madre de Percy de las garras de Hares y de paso salvar al mundo de la guerra de los dioses.

No puedo dejar de relacionar el inicio de esta franquicia que esta dirigida por Chris Columbus quien dirigió las dos primeras entregas de Harry Potter con esta mis ma película en sus inicios. Los personajes casi que podría decirse que son un calco de los tres protagonistas de Harry Potter,Hermione, la chica competitiva y eficiente sería Annabeth, Percy sería Harry, el chico destinado a salvar el mundo y luego el sátiro Grover como Ron, el elemento cómico del grupo. Luego tambíen vemos desfilar toda una galería de rostros conocidos, Pierce Brossnan como Quirón, Sean Bean comoZeus, Rosario Dawson como Perséfone Uma Thurman encarnando a una estupenda Medusa, Kevin McKidd (de la serie Roma) como Poseidón. Todos ellos cumplen su función sobradamente, pero sobretodo destacaría a Medusa, una increíble Uma Thurman con unas serpientes en la cabeza es sencillamente genial.

El fin de la saga de Harry Potter está muy cerca y los estudios emprenden una empresa de probar y probar películas de fantasías familiares basadas en libros para intentar acercarse al fenómeno de Potter y llenar su espacio cuando el próximo año la última pate se estrene, me entristece ver como grandes obras literarias como The Golden Compass sean llevadas al cine con la angustia de producir dólares descuidando la historia. El competitivo mundo de las mega producciones Hollywoodenses esta a la caza de la nueva franquicia de fantasía. Mis pensamientos son que ninguna lograra ser tan exitosa y marcar tendencia como lo es Harry Potter. En cuanto a Percy Jackson la cinta se nota que no tienen el presupuesto que Potter obtuvo en sus inicios y es por ello que los efectos no son tan espectaculares en un mundo que ha visto la magnitud técnica de Avatar pero aún así con ingeniosos guiños a la modernidad Percy Jackson se adaptada y funciona en un plano familiar y su taquilla (no sorprendente pero decente) lo demuestra y quién sabe, tal vez veamos como poco a poco va partiendo esta nueva franquicia que esta principalmente sustentada en fuertes actuaciones secundarias pero con un rol protagónico que promete crecer a lo largo de la historia y que finamente lleva a convencer, el talento joven abunda por las calles de Hollywood, solo se necesita que estos tipos de proyectos sean sustentables para darlos a conocer.

Crítica: An Education

AN EDUCATION / UNA ENSEÑANZA DE VIDA
NOTA: 7 / 10

Dirección: Lone Scherfig
Guión: Nick Hornby
Elenco: Carey Mulligan, Peter Sarsgaard, Emma Thompson, Dominic Cooper, Rosamund Pike, Alfred Molina, Olivia Williams, Sally Hawkins
Música: Paul Englishby
Género: Drama
Distribución: Sony Pictures Classic

An Education se traduce literalmente como “Una Educación”, pero esta vez me gusta más el título que las productoras le han dado para su título en Chile; “Una Enseñanza de Vida”. Rara vez prefiero el título en español a su original, esta vez es porque redondea lo que es la película en sí. Muchos blogs en sus reseñas han hablado de la suavidad con la cual Lone Scherfig, su directora, trata el tema, en el cual los matices de conflicto son escasos y poco elevados de tono, donde la calma colectiva predomina a lo largo de toda la película. Aún así An Education es una película muy correcta y una buena obra de arte del cine británico que los representa este año en los Oscars.

Dejando de lado la crisis emocional que evita tocar con mayor profundidad Lone Scherfig, An Education nos brinda un conjunto de actores que dan una de las mejores actuaciones colectivas de la temporada. Rostros británico conocidos y otros no tanto encontramos en An Education. Rosamund Pike es una hermosa sorpresa, la he visto actuar en otros filmes como en Die Another Day (como una villana en el filme de James Bond) o en Pride & Prejudice, pero aquí Rosamund Pike por fin destaca no sólo por su belleza y da una solvente y convincente interpretación que raya la comedia en un drama que trata sobre la transición de edad que experimenta la protagonista. Con el personaje de Pike la comedia se hace presente con suavidad y de forma no exagerada, algo conciso. Siguiendo con los roles secundarios encontramos a Dominic Cooper, que anteriormente lo hemos visto en Mamma Mia!, y otra vez más el casting es sólo de actuaciones totalmente correctas, pero sin duda el trío que da más fuerza a An Education es el conformado por los roles protagónicos de Carey Mulligan y Peter Sarsgaard en conjunto con Alfred Molina, quién este último absolutamente merecía la nominación al Oscar por mejor actuación de reparto. Molina nunca había estado mejor. Mientras que Sarsgaard que sonó varias veces en esta carrera en un comienzo finalmente se fue de vació, su actuación es buena y potente, lo que logra una buena química con su compañera, pero temo que Sarsgaard ha estado en mejor forma en otros filmes y tal vez el descubrimiento de Mulligan opaco sus oportunidades de gloria este año. Y con ello llegamos a la estrella absoluta del filme: Carey Mulligan. La joven de 24 años es todo un hallazgo y digna merecedora de todos los premios y halagamos que ha conseguido, y si de haber sorpresa este domingo el Oscar caería en ella. Una actuación de una joven promesa que de seguro la veremos en otra oportunidad (y esperemos con mayores oportunidades) en la carrera por el Oscar.

Terminando con el análisis An Education al igual que Doubt el año pasado es una película de actores y la entretención reside en ellos, no en la historia que aquí es débil y no se arriesga a tomar rumbos más radicales, en vez de aquello sólo se limita a mostrar a los personajes felices de gozando el 99% del filme. Cabe destacar que la dirección técnica es maravillosa, los planos de Londres al igual que la inclusión de Paris en ciertos fotogramas es hermoso al igual que la música. La estética británica siempre es maravillosa y bien recibida. Mientras que me gustaría decir que se desperdician excelentes actores británicos que tienen roles minúsculo como Emma Thomson o Sally Hawkins.

domingo, 21 de febrero de 2010

Crítica: The Wolfman

THE WOLFMAN / EL HOMBRE LOBO
NOTA: 3 / 10

Dirección: Joe Johnson
Guión: Andrew Kevin Walker, David Self
Elenco: Benicio del Toro, Anthony Hopkins, Emily Blunt, Hugo Weaving, Geraldine Chaplin
Música: Danny Elfman
Género: Horror
Estudio: Relativity Media
Distribución: Universal Pictures

El Hombre Lobo es el remake de la cinta original de de 1941 que no logra representar de una manera decente la clásica historia de terror sobre el lío existencial del hombre lobo. En cambio todos aquellos vacios son llenados con una espectacularidad técnica que la cinta original no posee. Si algo se avanzo en materia de remake fue sólo en este punto. La película cuenta con una excelente adaptación gótica sumada a un gran trabajo de maquillaje y animación.

No obstante la notable dirección audiovisual de la reinvención de esta Inglaterra victoriana no logra ocultar satisfactoriamente los amplios vacios que encontramos en el guión. Su director Joe Johnson no sabe utilizar a un excelente grupo de actores que sus caracterizaciones quedan incompletas debida al mal guión utilizado para rodar la película, especialmente el de Emily Blunt que bella y enigmática, los pocos momentos en que obtiene potentes líneas argumentales no llevan ni para un lado ni para otro, la historia sigue siendo vacía. Continuando con una premisa que desde el principio es muy predecible y aunque la historia logra que demos algunos saltos fáciles no nos logra cautivar totalmente; un final sin fuerza argumental que es llevado hasta ese angustioso extremo debido al clímax que a nadie impresiona.

El hilo amoroso nunca se ve completado, la historia de amor que marca al hombre lobo en cuestión nunca se ve afianzada en la película y por ello cuando llegamos al final nos parece muy forzado y maniobrado para que los cabos sueltos queden sellados forzosamente. Mientras se falla en ese fundamental aspecto continuamos viendo a una criatura que despedaza miembros humanos al muy estilo gore pero que carece de impresionismo ya que desde la escena número 1 la criatura es revelada en su majestad y nos resta la magia, por así decirlo, de ir descubriendo a la mítica criatura.

En resumen el remake logra entretener pero a un nivel muy bajo, se sustenta en su gran acabado artístico y actores de renombre para atraer gente a una historia cuyo interior carece de emoción.

miércoles, 17 de febrero de 2010

Crítica: Whip It!


WHIP IT!
NOTA: 8/10


Dirección: Drew Barrymore
Guión: Shauna Cross
Elenco: Ellen Page, Marcia Gay Harden, Kristen Wiig, Drew Barrymore, Juliette Lewis, Jimmy Fallon, Daniel Stern.
Música: The Section Quartet
Género: Comedia
Estudio: Mandate Pictures, FlowerFilms
Distribución: Fox Searchlight



Una cinta sencilla, de bajo presupuesto, con interpretes de diversos sitios en la esfera del espectáculo, el regreso de Ellen Pega a los roles protagónicos y el debut en dirección de Drew Barrymore hacen de Whip It! Una de las mejores películas que USA vio nacer el 2009.

Con una premisa muy simple y utilizada constantemente la cual es el buscar el rumbo a la vida de los adolecentes aquí la temática es la misma pero con un tono más suave y menos confrontacional que en otras películas, lo que la convierte en una cinta familiar de bajo calibre evitando así un melodrama demasiado grande; Whip It! Es una comedia inteligente. Algo que en estos tiempos se necesita, es agradable sentarse y ver esta película que contiene comedia ligera y nos introduce un mundo realmente desconocido para muchos, el Roller Derby. Un deporte de contacto que mujeres practican, es este caso, en Texas.

El desconocimiento de este deporte para la mayoría de los espectadores es el principal atrayente de la película en cierto modo, ya que con esto de aventurarse a nuevos horizontes no te aburres y tienes el ciento por ciento de atención en la película, deporte que es llevado por Drew Barrymore de una manera loca y cómica, tocando de manera ligera los pros y contras del deporte mediante un equipo que constantemente pierde cuyos integrantes representan a diversas mujeres que principalmente sólo se divierten en este agresivo deporte.

Como en toda película el esqueleto es parte importante de si triunfa o fracasa, en este caso su esqueleto, el guión, es bastante simple y tanta simplicidad toca temas sin mayores profundizaciones que hacen preguntarse si está bien así o debería ser de otra manera, aquella simplicidad que por un lado hace que Whip It! Sea funcional como película de entretenimiento hace pensar que si tan sólo se hubiera tratado con más cuidado e intentar arriesgarse más en un mayor clímax Whip It! Pudo haber llegado a ser más de lo que fue el 2009. Una interesante piesa de fiolmografía que a la larga mucha gente terminara viendo y amando, tanto por su casting donde Ellen Page sale a relucir aquel talento que le valió su primera nominación al Oscar por Juno o la dirección de Drew Barrymore que también es parte del elenco, eso sí como secundaria, pero con uno de los roles más cómicos al estilo Ángeles de Charlie.

martes, 16 de febrero de 2010

Crítica: The Blind Side

THE BLIND SIDE
NOTA: 7 / 10

Dirección: John Lee Hancock
Guión: John Lee Hancock, Michael Lewis
Elenco: Sandra Bullock, Tim McGraw, Quinton Aaron, Kathy Bates
Música: Carter Burwell
Género: Drama, Deporte
Estudio: Alcon Entertainment
Distribución: Warner Bros. Pictures

A raíz de diversos apuntes y comentarios que leí en la prensa antes de ver The Blind Side y Precious, se me quedo plasmada en la mente comentarios sobre paralelismo entre estas dos películas, sobre sus pros y contras y sobre como una es mejor y peor que la otra, sobre como la comunidad afroamericana ama una de ellas y porque una de ellas es la fuerza del cine independiente mientras que el público en general ama a la otra.

Finalmente pude visionar ambas (ver mi crítica de Precious aquí) y no puedo dejar de establecer un paralelismo junto con mi opinión sobre el éxito de ambas en su propio medio, más adelante lo comentare.

The Blind Side dura aproximadamente 120 minutos y son pura gloria personal, digo esto porque concentrándome en sus fortalezas es el rápido y consistente guión que es contantemente ágil como para lograr que el espectador se entusiasme en esta película basada en un hecho real que es altamente reconocido por el público americano y que hay que decirlo; América ama los deportes y en especial éste. Puntos que jugaron a favor en su ascendente éxito tanto comercial como crítico que lo corono no como las mejores cintas pero como algo bueno y que gracias a una buena jugada de sus productores basados en una campaña de apoyo a Sandra Bullock lograron imponer a The Blind Side en Mejor Película este año en los Oscars 2010. Todo un acierto.

Mientras que de esto no hace más que elevar las posibilidades de Sandra Bullock para obtener su primer Oscar en su primera nominación frente nada menos que a la gran Meryl Streep, su gran contendora este año. Sandra ya ha triunfado en la taquilla estadounidense, ganó el SAG, el Globo de Oro y compartió el triunfó con Meryl en los Critic´s Choice Awards. Tanta seguidilla de triunfos es signo de una clara recuperación en su carrera, pero ¿Qué tan buena es la actuación de Sandra en este filme?

Sandra Bullock es mejor conocida por sus roles cómicos como en Miss Simpatía donde también logró una nominación en los Globos de Oro en la categoría de comedia, categoría en la que se le ha encasillado debido a sus constantes aciertos en esta materia, pero no olvidemos que también ha logrado bastantes buenas actuaciones en roles dramáticos con resultados dispares, mientras que en Premonición su actuación es bastante decente el filme es asqueroso, y en Infamous nuevamente Sandra logra un acierto dramático pero fue totalmente ignorada al igual que en la ganadora del Oscar Crash donde lograba su mejor actuación hasta ese momento, luego llego el 2009 cargado de proyectos que le devolvieron la fama a Bullock en conjunto con el título de reina de la taquilla del 2009, junto con una doble nominación por The Proposal y The Blind Side, ganó por esta última y basta decir que en The Blind Side Bullock logra lo mejor de su currículo. Debido a un guión que la favorece totalmente ya que The Blind Side no es sobre el afroamericano que logra resurgir sino que trata sobre la mujer detrás de este logro, y ella es interpretada por Sandra que toma aquellos diálogos muy potentes y que la hacen destacar transformándola en la única y absoluta estrella de The Blind Side. Un rol basado en una verdadera historia le da el empuje para que Bullock sea reconocida en un año lleno de triunfos-

Sus fortalezas están claras, un guión ágil que le da a Bullock el protagonismo suficiente como para estar robando todas las miradas en la carrera por el Oscars además de estar basada en el deporte que América ama. Sus debilidades se centran en el clímax que al igual que An Education es demasiado débil para todo lo construido antes de ello, simplemente el guión flaquea y tanta felicidad no halla el punto de quiebre necesario que todo drama tiene, es más no obtiene la consistencia que se hubiera esperado. Aquello es lo malo de esta entretenida cinta.


Como dije al comienzo Precious y The Blind Side encuentran arcos similares al tratar sobre la superación de la raza negra sumidas en una América que poco a poco ha comenzado a dejar a tras el racismo, sin duda Precious posee mayor fuerza y un mejor clímax lleno de desgarran tés líneas que te parten el alma con excelente actuaciones de todo su elenco no sólo de Mo´nique y Gabourey Sidibe. Mientras que The Blind Side trata la tempatica más relajadamente, sin llegar a ser demasiada fuerte en e tema de la discriminación y de la vida en los guettos. Es mucho más liviana y es por ello que el público en general la prefiere más que a Precious, porque debido a su trato liviano se convierten en el perfecto filme familiar que toda la familia disfruta aunque se tratase de un tema complicado en América, mientras que Precious es mucho más fuerte y difícil de digerir, desgarran tés historias llenas de violencia y tristeza en cada minuto, en cambio The Blind Side es felicidad en cada momento que opaca fácilmente los pocos momentos tristes. Para mi Precious es mucho mejor y es una excelente película independiente con mucha fuerza sobre un tema polémico, de verdad adoro ese tipo de cine. Pero también me gusto The Blind Side principalmente porque sirve para otro tipo de público menos selecto y por darle la oportunidad de brillar a Sandra Bullock.

domingo, 14 de febrero de 2010

Crítica: Up in the Air


UP IN THE AIR / AMOR SIN ESCALAS
NOTA: 10 / 10
Dirección: Jason Reitman
Guión: Sheldon Turner, Jason Reitman
Elenco: George Clooney, Vera Farmiga, Anna Kendrick
Música: Rolfe Kent, Randall Poster, Rick Clark
Género: Drama
Estudio: Paramount Pictures

Luego de Gracias Por Fumar y Juno el joven director Jason Reitman regresa con lo que hasta la fecha es su mejor trabajo, de la mano de un guión adaptado por su propia mano junto a un socio Up in the Air es lo mejor que he visto hasta el momento en materia de Oscar. Al principio tenía serias dudas sobre lo nuevo de Reitman debido a un tráiler aburrido que no me logro entusiasmar seguido de un título tan burdo como Up in the Air. Dos cosas que no lograban fijar mi mirada en esta película, pero luego de visionarla puedo decir con total libertad que Up in the Air es la mejor película de aquellas 10 nominadas al Oscar.

Antes de hablar de Up in the Air me tome unos días para pasar por mi mente lo antes visto, incluso la vi por segunda vez sólo para revivir las geniales actuaciones, en especial la de Anna Kendrick y también el guión que funciona a perfección de reloj en la cinta.
Con una estética de antaño, Up in the Air es en cierto modo lo que The Curious Case of Benjamin Button, me refiero a que en su momento ambas películas fueron las representantes de antaño de Hollywood, eso es lo que para mi Up in the Air es este año, una película que con actuaciones ejemplares, un guión magnifico sumado a una gran dirección todo esto mezclado con una trama única, sacada de un libro del que jamás oí hablar pero sin duda es un buen hallazgo y una aún mejor adaptación. Sin sufrir ningún tipo de contratiempos Up in the Air es pura excelencia. Ahora entiendo lo premiada que fue por la crítica y me da pena ver como en los Globos se tuvo que conformar sólo con el Globo por su guión y que el gremio de actores le diera la espalda al reparto precedido por tres nombres que solamente deslumbran. George Clooney, Vera Farmiga y Anna Kendrick. Un trío de miedo.
Con Clooney hemos visto sus actuaciones con más frecuencia en grandes películas comerciales y como siempre muy bien en su rol, pero ya tiene un Oscar y además Colin Firth está mejor en su película (aún no veo Crazy Heart como para opinar sobre Jeff Bridges) pero Vera Farmiga es una mujer elegante y con clase cuyo rol da un giro extraordinario, que no se me paso por la mente en ningún momento y sus momentos de gloria con poderoso diálogos hacen que se deslumbre, pero esta excelente actuación se ve relegada a un segundo plano por la revelación que supone Anna Kendrick que es más conocida por tener un rol menor en Crepúsculo y Luna Nueva donde pasa sin gloria ni pena aquí en Up in the Air es la figura más potente del casting, pese a ser un nombre desconocido para la mayoría de la gente los mismos espectadores recordaran más a ella que a George Clooney o a Vera Farmiga por el simple hecho de que Kendrick interpreta el mejor personaje de toda la película que parte como de un solo eje y con el paso del tiempo amplia sus horizontes cambiado su perspectiva de visión de mundo.


Podría seguir escribiendo sobre los aciertos de Up in the Air, pero sería seguir hablando de lo mismo, sus logros en los diferentes círculos de la crítica y las nominaciones que recibió en los Oscars son suficientes para destacar que Up in the Air es lo mejor que he visto hasta el momento, una gran cinta que para mi figuraba como algo sobrevalorado y mediocre pero mi visión cambio después de verla. Si este año se quiere premiar lo mejor, Up in the Air es aquello.

sábado, 13 de febrero de 2010

Crítica: It´s Complicated

IT´S COMPLICATED / ENAMORANDOME DE MI EX

NOTA: 6/10

Dirección: Nancy Meyers

Guión: Nancy Meyers

Elenco: Meryl Streep, Steve Martin, Alec Baldwin, Lake Bell

Música: Hanz Zimmer, Heitor Pereira

Género: Comedia, Romance

Estudio: Universal Pictures


Nancy Meyers es alguien demasiado irregular para mi gusto, que ha obtenido logros hay que reconocerlo, pero también ha tenido fracasos que aún pesan. Su carrera es como una montaña rusa, sube y baja a diferentes alturas constantemente. Lo Que Ellas Quieren la lanzó a la fama y luego prosiguió cosechando muestras de su talento y poder de mujer directora y escritora con Alguien Tiene que Ceder que fue su gran acierto con la crítica, hecho que hizo que Diane Keaton llegara bastante lejos incluso con una nominación al Oscar. Sin duda Meyers nunca estuvo mejor con los líos amorosos que presentaba y más importante aún el desenlace escogido. Con El Descanso fue algo totalmente confuso desde el punto de vista de que no era algo que Nancy Meyers haría, era una comedia romántica predecible desde el principio con actores de renombre que en ningún momento se afirman a sus roles, un completo fracaso para Meyers y con It´s Complicated regresa a las líneas de los triángulos amorosos con algo atractivo para el público; amor luego del divorcio.

Siguiendo las líneas que distinguen su trabajo de otros se suman los factores que definen una película de ella, un elenco de categoría nada menos que protagonizado por la mejor actriz actualmente trabajando; Meryl Streep, junto a Steve Martin y Alec Baldwin. La historia de amor no es como otras, esta trata sobre una mujer que comienza a tener un amorío con su ex – esposo que actualmente tiene una nueva esposa, algo complicado, tal como lo describe el título. Y toda la trama se vuelve tan complicada que nos lleva a una conclusión un tanto rara y no muy bien editada, es decir, para mi estuvo bien pulida, un final perfecto para la situación en el cual se respaldaba las ideas presentadas durante el desarrollo de la película, pero el problema, el pequeño “pero” es que nos lleva a diálogos innecesarios y a encuentros fuera de lugar como el de los hijos que no está bien hecho, porque si vas a introducir a tres hijos de la protagonista más vale hacerlo bien y esta vez tanto personaje que incide sobre la trama termina por desfragmentarla y haciendo extensa para algo que no lo era. Mientras que el momento clímax es gracioso pero el toque dramático necesario es forzado algo que no sienta bien a la película. Dicho sus defectos que residen principalmente en el complicado final que Meyers le da a la historia y que termina por ser uno apropiado pero no de los mejores y mucha gente lo odiara.



Las actuaciones están todas acorde al papel, Streep encantadora como siempre y para mí este papel es tan bueno como mejor que el que hizo en Julia & Julie, creo que no consiguió tanto atractivo para el Oscar como el anterior al no tratarse de un biopic como si lo es el de Julia. Alec Baldwin iguala interpretativa a Streep logrando una increíble y atractiva química entre ellos, algo sorpresivo pero ideal y es este el punto fuerte de la película, no así su guión, así que con Baldwin y Streep al mando la película es el éxito que está teniendo actualmente tanto en América como en el resto del mundo. Sin embargo me gustaría hablar sobre el personaje de Steve martin, ya que su actuación no está a la par de Streep y Baldwin simplemente porque no se supo hacer encajar bien su personaje, este es forzosamente introducido en la película y causa molestias en varias ocasiones ya que simplemente no pertenece a esta película, con Baldwin y Streep hubiera bastado para construir una confiable, dramática y cómica película, pero con mártir todo se vuelve confuso y estúpido, un personaje innecesario que afecta el final haciéndolo algo predecible y poco aplaudible.

domingo, 31 de enero de 2010

Crítica: Where The Wild Things Are

WHERE THE WILD THINGS ARE / DONDE VIVEN LOS MONSTRUOS
NOTA: 8/10

Dirección: Spike Jonze

Guión: Spike Jonze, Dave Eggers

Elenco: Max Records, Catherine Keener, Mark Ruffalo, Paul Dano, Chris Cooper, James Gandolfini, Forest Whitaker

Música: Karen O, Carter Burwell
Género: Drama, Fantasía
Estudio: Warner Bros. Pictures
La fábula de Spike Jonze. Max llega a una isla donde encuentra a un grupo de monstruos que tienen diferentes personalidades. Todos ellos representaciones de los miedos y las conductas más naturales de todos los seres humanos, y no sólo de los niños. De ahí que la película no sea para nada una producción infantil ya que a pocos niños puede gustarle, incluso diría que les podría dar miedo.
Desarrollada en un entorno ideal de perfecta luz y fotografía, repleta tanto de fantasía como de cruda realidad, la película nos pasea de una manera tan adorable como macabra por los, nunca mejor dicho, monstruos que un niño suele padecer a lo largo de su infancia tardía, en ese momento en el que sigues siendo un niño, pero comienzas a darte cuenta de que no todo es de color de rosa.
El guión es uno de esos textos llenos de palabrería con miles de lecturas, textos en los que puede ahondarse hasta completar profusamente el texto fílmico o en los que puede no repararse y quedar en la superficie, en cualquier caso, textos que invitan a la reflexión humana y a la comprensión de la infancia, como etapa de madurez, y como estado de ánimo. Nos habla de amistad, de normas, de derechos y deberes, en definitiva, de todas esas pequeñas cosas que, aún sin relación directa, un niño va asimilando.
Los actores son otra de las piezas importantes de esta película, pero, además de los encargados de encarnar a los monstruos, actores de renombre como James Gandolfini o Forest Whitaker y a la familia de Max, es el actor Max Records, el encargado de dar vida al niño protagonista, el que supone la agradabilísima gran sorpresa de esta película, con una interpretación grandiosa convirtiéndose en toda una revelación. Mientras que la decisión de Jonze de no usar mucho edición por computador para crear a los monstros juega a favor del director y su originalidad en ellos mismos, cuya concepción tanto física como psicológica se mezcla creando algo único. Sin duda para mi lo mejor de la película.

Y no sería justo terminar este reseña sin hablar de la magnífica banda sonora de Karen O y Carter Burwell, porque si ya como disco las canciones funcionaban bien, acompañando a la película son un auténtico tiro que dota de una fuerza tremenda a los bellísimos y oníricos planos que componen esta película, lo que además de un regalo para la vista, supone también un regalo para los oídos. Además, muy acertadamente, gran parte de dichas canciones están cantadas por niños.
Una necesaria y reconfortante vuelta a la travesura, a la incorrección y al no acatar las normas que nos permite disfrutar de dos horas de vuelta a la infancia desde un punto de vista maduro, adulto, sin algodones y que sin duda supondrá una atípica sorpresa navideña. Si queda algo de niño en vuestros interiores, desde luego no podéis perdérosla por nada del mundo. Y al igual que otras películas como Bright Star o The Road, Where The Wild Things Are es una de las grandes obras olvidadas en esta temporada de premios; una lástima.

Críticas: 9

9
NOTA: 4 / 10
Dirección: Shane Acker
Guión: Pamela Pettler
Elenco (voices): Elijah Wood, John C. Reilly, Jennifer Connelly, Christopher Plummer, Crispin Glover
Música: Danny Elfman
Género: Animación, Fantasía
Estudio: Universal Pictures

Hoy en día todos los estudios de Hollywood invierten en adaptaciones de novelas, comics, series de tv, etc, todo para llevarlo a la gran pantalla y sacar beneficios de la taquilla, pero ahora incluso más que adaptar se ha llegado a estirar, como ocurrió con el corto 9 que se convierte en un filme de 70 minutos post-apocalíptico que carece de ideas sólidas para sustentar lo que antes fue un genial corto.

En teoría, buena idea ante la grave carencia de las mismas. Lo malo, en la práctica, es que más que alargar se estira. Tanto en ocasiones que la cuerda termina por romperse, como en el refrán, y otras también, siguiendo con el refranero, sin importar esa catástrofe hasta que el saco acabe por reventar. Número 9 fue antes corto de los buenos y mediáticos, tanto que recibió una candidatura al Oscar donde llamó la atención de Tim Burton y Timur Bekmambetov. Ambos nombres no imponen su estilo ni inspiran a Shane Acker (aunque parezca que algo del primero hay en la cinta) sino que simplemente se rascan el bolsillo para convertir el corto en largo.



9 luce un diseño original, que sin ser rompedor ni excesivamente extraño, sí es cautivador, con una historia entretenida, a medio camino entre la aventura post-apocalíptica y el drama, mezclado con la sempiterna crítica al totalitarismo y la ambición humana. Donde obviamente su mayor aporte es la sólida base técnica de los muñecos de trapo, la música y los exteriores post-apocalípticos diseñados por computador son lo mejor que tiene la película, ya que a pesar de partir en un punto vació donde su protagonista no sabe nada todo se vuelve demasiado simplón y repetitivo.

Ni es innovadora, ni rompedora, ni distinta, pero sí muy digna y divertida, con un buen fondo y algunos grandes momentos, pero gigantescos vacíos de guión y de ritmo, convirtiendo en lastre insalvable esos minutos de relleno que tanto aburren con escenas de persecución sin sentido y para qué hablar de todos los muñecos de trapo cuyas caracterizaciones sólo están a medio construidas.

jueves, 28 de enero de 2010

Crítica: Fame

FAME / FAMA
NOTA: 1/10
Dirección: Kevin Tancharoen
Guión:Allison Burnett
Elenco:Naturi Naughton, Collins Pennie, Kay Panabaker, Asher Book, Kherington Payne,Anna María Perez de Taglé
Música: Mark Isham
Estudio: Metro-Goldwyn-Mayer

Últimamente las notas que he dado a los últimos filmes que he revisado no han sido menores a un 7, pero con esta película no puedo hacer lo mismo. Fama se estreno en Estados Unidos en septiembre del año pasado y fue un fracaso en taquilla aunque la película en sí con su recaudación a nivel mundial pudo costear los costos de producción, sin embargo su estudio, Metro-Goldwyn-Mayer, no recibió ingresos ya que debido al mal desempeño a nivel local los derechos internacionales fueron vendidos, algo que la Weinstein Company acaba de hacer con los derechos internacionales de Nine.

Indicio de una terrible película que intento revivir el éxito de la original cinta, los encargados de realizar este pobre remake hicieron castings y se fijaron con lupa para escoger a los estudiantes del colegio Performings Arts, sin embargo, a pesar del talento que hayan encontrado como por nombrar un ejemplo la bailarina Kherington Payne que es excelente y sobresale en la película, el mejor talento de Fama. Pero como dije anteriormente Fama no logra cautivar al público sino que es más nos llega a aburrir en sus dos horas de metraje, un metraje excesivo para tan pobre material con el que se trabajo.

Fama fracasa en un acto de revivir la historia original debido a que sus personajes estuvieron mal construidos desde un principio, están incompletos y el poco tiempo que su historia está en pantalla es imposible hacer que el público enganche con alguno de ellos. Mientras tanto las interpretaciones por parte del elenco más adulto tampoco son dignas de halagos, es más, ciertos estudiantes poseen más carisma que ellos mismos. Sinceramente no se en que estaban pensando los productores de esta película al intentar crear algo tan pobre de carisma. ¿Por qué tomarse el tiempo de realizar un remake de Fama? Si no saben lo que hizo a la original tan especial.



La falta de actuaciones decente que por lo menos estén correctas, más un guión con vacios emocionales en cada momento, junto a personajes a medio construir con una estética de filme muy pasada de moda que simplemente no se ajusta a la intención del remake donde la fotografía es desastrosa y en todo momento transmite depresión por el constante uso del negro en las escenas, con líneas muy estúpidas y repetidas hasta el cansancio y por sobre todo, por destruir la esencia de Fama original para apelar al público High School Musical que sin embargo ni eso logran ya que tampoco cautivan como lo hizo el filme de Disney debido a que las canciones son escasas y en verdaderon material audiovisual son malas, sin duda Fama es lo peor en lo que va del año.

Crítica: Sherlock Holmes

SHERLOCK HOLMES
NOTA: 8 /10

Dirección: Guy Ritchie
Guión: Michael Robert Johnson, Anthony Peckham, Simon Kinberg
Elenco: Robert Downey Jr, Jude Law, Mark Strong, Rachel McAdams, Eddie Marsan
Música: Hanz Zimmer
Estudio: Warner Bros. Pictures


La nueva película de Guy Ritchie posee elementos que podíamos ver venir, me refiero al estilo con el que Guy Ritchie ha estado trabajando desde su regreso a las cámaras donde en RocknRolla una cinta media por así decirlo pero tampoco desastrosa marco un más que digno regreso cinematográfico de Ritche para pasar ya a su más ambicioso proyecto y el que mayores bonos del ha reportado: Sherlock Holmes.


Un borrón y cuenta nueva, así es como podemos describir a este nuevo Sherlock Holmes interpretado por Robert Downey Jr. Junto a su leal compañero el Doctor Watson interpretado por Jude Law, ambos muy correctos en su actuación pero por sobre todo Downey destaca por su simpatía y carisma que tiene, lo cual lo convierte en la baza más fuerte de la producción y que ya le dio beneficios como el pasado triunfo en los Globos de Oro, mientras que Law es más bien un actor de drama. Se suman al elenco Marc Strong que siempre ha estado brillante en los secundarios, es de este tipo de actores que cada rol lo interpreta correctamente y a lo largo de los años Strong siempre se ha mantenido en los roles secundarios y en repetidas oportunidades en el antagonismo del fime, próximamente lo podremos ver en Robin Hood de Ridley Scott. Rachel McAdams como el interés amoroso de Holmes en un pasado, presente y más que probable futuro, hermosa como siempre y cautivando a la audiencia. Adams cuenta con un gran talento que ha sabido aprovechar desde su actuación revelación en Chicas Pesadas, desde allí no para.


A niveles técnicos Ritche retrara una Londres cautivante, llena de gente común y ordinaria, tal y como la que se describe en los libros. Londres crece poco a poco impulsada por la revolución industrial que vive y además fue impulsora. El London Bridge que se aprecia en la película es fe de ello. La cinematografía y la música resaltan en cada minuto, Hanz Zimmer realiza un excelente trabajo digno de mención en los Oscars, cada acción y momento vivido por Holmes Zimmer lo retrata en una de sus mejores obras. Un técnica impecable.



La dirección de Ritche a lo largo del filme es inconfundible, mezcla los mejores momentos vividos por este director tras las cámaras, algo vibrante y nuevo, la dirección a pesar de ser irregular en ciertas ocasiones es compensada por una muestra de verdadera frescura direccional. Mientras que con el guión es perfecto en cuanto a la trama, cada cabo suelto es finalmente amarrado por el más que brillante Holmes. Pero hay algo que tener en cuenta, aquí estamos tratando con ficción, un personaje creado por Sir Arthur Conan Doyle. Por esto las situaciones sobresalen a la realidad, la superan completamente, pero la historia como es centrada en una Londres que desconoce la tecnología y que poco a poco la va conociendo cree en teorías conspirativas y en la involucración de la magia, pero que finalmente todo lleva a una explicación racional por parte del detective más famoso del mundo, dentro del mundo de Sherlock Holmes está bien. Pero si ya nos ponemos a compararlo con la realidad la historia y métodos de Holmes son bastantes poco creíbles y alocados. Es por ello que mejor quedemos nos en el mundo de Sherlock Holmes, en la brillante y hermosa Londres que Ritchie nos presento.

jueves, 21 de mayo de 2009

Crítica: Una Noche en el Museo 2 (6.5 / 10)


Al escribir críticas uno indudablemente se deja llevar por su corriente subjetiva aunque por supuesto cada crítica es especial por ello, pero un deber es simplemente tratar de acortar la brecha entre lo subjetivo y lo objetivo, algo muy dificil, pero no imposible.

Para mi Una Noche en el Museo 2 se transformo en toda una noche de diversión, asistí al estreno de la película, 21 de Mayo del 2009 y simplemente la película me fascino a tal punto de pasar por inadvertidas en esta críticas grandes defectos que tiene.
La pelíca posee grandes incoherencias por así decirlo que afectan gravemente un guión con baches enormes pero que nos lleva a un final de historia con mucha emoción y nos hace disfrutar de una comedia light que esta presente en toda la trama. Sin duda esta secuela entretiene mucho más que la anterior ya que para la primera parte de esta no fue ninguna revelación. En cambio esta es totalmente diferente transportandonos al museo más grande lleno de personajes históricos fascinantes y efectos que se nota que hubo más inversión de presupuesto que en la primera parte, sin duda esta secuela es todo un acierto de la 20th Century Fox.
Pero solamente como una película para disfrutar en familia, dentro de ese género es toda una joya, porque funciona con padres e hijos, pero para las demás personas que buscan una comedia-aventura de grandes proporciones y correcta lamento decirles que esta película protagonizada por Ben Stellir no les agradara mucho. También cabe decir que Amy Adams realiza una correcta interpretación aunque su química con Stiller no es del todo creíble hasta el final de la película. Sin duda esta actriz se desenvuelve excelente en cualquier papel. Solamente añadir que Una Noche en el Museo 2 es la perfecta elección para disfrutar de una película suave y muy entretenida en est temporada de los Summer Blockbusters Americanos.


Lo Mejor: Amy Adams y el excelente trabajo con el museo cuyos personajes son tres veces más entretenidos que los de la primera parte.
Lo Peor: Una Banda Sonora que no prende mucho además de un guión con muchos baches.

martes, 19 de mayo de 2009

Crítica: Angeles y Demonios (5.5 / 10)

UN REGRESO



Al fin regreso a postear normalmente en mi blog, disculpas por las semanas sin actualizaciones pero ya con esta crítica comienzo un nuevo ciclo y estoy de vuelta posteando a menudo.



CRÍTICA: ANGELES & DEMONIOS



No sé realmente lo que pretende Ron Howard con el personaje de Robert Langdon, en el Código Da Vinci nos presento a un aficionado a la simbología profesor de Harvard que se pasaba minutos eternos explicandonos intrincados secretos de Da Vinci que sólo él lograba ver y a tráves de un dialogo aburrido nos intenaba explicar algo que no tenía ni pies ni cabeza en la película (pues en el libro es una realidad diferente). Claramente este fue uno de los puntos débiles del Código Da Vinci y el principal blanco de crítica fue este mismo al igual que Hanks que vuelve a repetir una actuación decente pero no esforandose demasiado, él puede mucho más pero rinde lo necesario para cumplir y complacer a sus devotos seguidores.


Continuando con el trabajo de Howard sobre Langdon que es el eje de ambas películas y que en esta no deja de estar en motion, esta constantemente moviendose y hablando al mismo tiempo comunicando la historia con dialogos faciles de seguir, algo totalmente diferente al Código Da Vinci y de verdad se agradece este cambio gracias a ello Angeles & Demonios se convierte en una película de acción y de bajo triller pero que logra entretener. Pero nuevamente Howard vuelve a caer y deja muy mal parada esta excelente obra de Dan Brown al dejar vació el personaje de Langdon nuevamente, es la segunda película en la que lo vemos y aún así nose sabe más de él es un personaje totalmente vació, sin caracteristica alguna salvo que es muy bueno en encontrar simbolos paganos dentro de estatuas y cuadros por todo el mundo. Grave error. Un personaje así de importante no puede quedar sin un pasado que nos revele quien es y porque hace lo que hace. Lo mismo pasa con la científica Vittoria Vetra de la que tampoco se habla mucho salvo que tienen que ver con la creación de la antimateria que es robada y usaba como una nueva arma nuclear para volar el Vaticano. Graves falencias tiene este nuevo pasaje en la vida de Robert Langdon de la cual no sabemos nada relevante aun. Aú así rescato que el filme es más rápido que el Código Da Vinci y entretiene más que este último y si Howard quería superarse con respecto a este lo hizo pero sólo por un poco, aún queda mucho camino que recorrer.


Lo Mejor: La Banda Sonora que es increíble mezcla lo mejor del Código Da Vinci en conjunto con nuevos temas, los efectos especiales y el gran trabajo de fotografía con respecto a Roma y el Vaticano.


Lo Peor: El flojo guión y la poca cratividad de Howard a la hora de filmar.
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